DÍA 13(22 de Octubre): INTRODUCCIÓN A LA TEXTURA

Hoy en clase hemos hablado sobre otro apartado, la textura donde hemos dado la clase teórica a partir de ejemplos de distintas obras, para poder diferenciar y apreciar las caraterísticas. La clase se puede resumir en : 

LA TEXTURA             

            

Análisis retórico, análisis del significado vertido por las figuras retóricas utilizadas

Análisis simbólico, significado de los elementos que componen la imagen

Es la materia de la que esta hecha un cuerpo y su representación visual.

Puede ser el elemento principal de la obra, y para conseguir nuestros propósitos, diferentes niveles de concreción.

Autorretrado de Van Gogh

Tipos

• ·       Naturales: sensible al tacto
• ·       Visual: remite a la experiencia visual. Ej- césped artifical

Césped artificial

• ·       Artificial: simula o imita una natural (con más o menos pericia) no corresponde con el tacto
• ·       Textura ficticia: es una variante de la textura real. 

Junto con el color y la iluminación la textura es la herramienta del lenguaje visual que más orienta en la interpretación de una imagen. 

Diferenciamos una naranja, de un helado, una alfombra

Tipos de texturas: suaves o ásperas, calientes o frías, duras o blandas, metálico, rugosas, secas, resquebrajadas, húmedo, seco, putrefacto.

Hablamos también sobre la diferencia de los conceptos de Instalación y Performance:

Instalación, obra de arte de la que la persona puede interactuar y sentir, se diferencia de una pintura que cuenta algo, lo que importa es que algo provoque sensaciones, conocimientos o que explique algo.

Chiharu Shiot

Performance, espectáculo de carácter vanguardista en el que se combinan elementos de artes y campos diversos, como la música, la danza, el teatro y las artes plásticas. 

Uno de los trabajos que hemos realizado en clase es analizar un vídeo sobre una bandada de pájaros, en cuanto a toda su composición que tendremos que entregar el próximo día para analizarlo entre todos.

Bandada de pájaros

Para terminar nos ha mandado un trabajo sobre texturas que tenemos que realizar con carboncillo, a partir de distintas texturas realizar una composición en distintos animales, para darnos cuenta de la influencia que hacen en cada uno de los objetos que representamos en cualquier concepto.

Día 12 (19 de Octubre): INTRODUCCIÓN A LA COMPOSICIÓN

Hoy en clase hemos hecho una introducción al nuevo bloque que vamos a dar que se denomina COMPOSICÓN, donde hemos dado su definición, los diferentes tipos, las leyes de la Gestal y la diferencia con la forma.

Un resumen de la clase del otro día podría ser:

Una composición es poner cosas cerca de otras para crear una armonía, en un determinado espacio, bidimensional o tridimensional. Qué lugar ocupo con relación al espacio y todos los elementos.

La forma es lo que separa al cuerpo del espacio, el contorno, que puede ser variable.

Tipos de composiciones:

·       Composición ascendente, empieza en el lado izq y acaba en el derecho, sube arriba. EJ: aspirina, señor con dolor de cabeza, aspirina, señor contento; desde ese momento se dejó de tomar la aspirina. Crea sensación de posibilidad.

·       Composición descendente, baja abajo, tiene una connotación negativa.

·       Composición simétrica, el cerebro humano está preparado para entender la simetría como perfección, basado en la figura humana. Asimétrico, algo perturbador, enfermedad, deformación, más inquietante y peor. Produce más interés.

o   Vertical

o   Horizontal

o   Ambas

·       Triangular ascendente, relacionado con la espiritualidad, pubis, terrenal.

·       Composiciones basadas en la repetición o elementos similares. Siempre funcionan, siempre quedan bien, garantía de algo.

·       Composición vertical, elegantes, al cielo, elevan, delgadez, estilización.

·       Composiciones horizontales, con la muerte, lo quieto.

·       Composiciones dominante curval o espiral; la curva es la figura más perfecta, nos recuera al ojo, te ponen en alerta recuerda a algo que nos vigila o el ovalo más  tranquilo tiende hacia lo místico.

·       Composición centrífuga, todo ocurre hacia fuera.

·       Composición centrípeta, ocurre hacia dentro al recogimiento.

Por el espacio que ocupa:

Horizontal, menos de la mitad del papel, mirada de igual a igual, muerte, eva cleopatra, la mujer y la culebra, la seducción, colocado con mucha quietud.

El cielo o espacio:

·       Poco cielo, algo muy grande, falta aire.

·       Centro, equilibrio.

·       Mucho, pequeñez.

Posición del ojo que te mira:

·       Igual a igual.

·       Arriba a abajo, te humilla, te conviertes en una hormiga es la mirada del dios.

·       Desde abajo, contrapicado, ERES EL DIOS.

Todo ocurra dentro de la imagen o partes indiquen que hay fuera de campo.

Leyes de la Gestalt (forma)

Leyes de percepción visual realizadas por los psicólogos de la Gestalt.

Figura sobre fondo: o figura o fondo

Ley de la buena forma o destino común, agrupa figuras compljeas.

Ley de cierre o continuidad, donde hay algo innacabado sea completo.

Ley de contraste, percebir algo xon mas grande o mas pequeño dependiendo de lo que tiene al lado.

Ley de proximidad, como agrupar en bloques los elementos para organizarse

Mathew Barney, cremaster

Laura Torrado

Luis Bourgeois

Para terminar hemos realizado un ejercicio de composiciones en grupo, donde tendríamos que utilizar nuestro propio cuerpo aplicando lo aprendido en esa clase para dar algunos ejemplos.

Ley de la proximidad

Composición simétrica

Ley de cierre

Contrapicado

Composición descendente

DÍA 11 (17 de Octubre): EXAMEN SORPRESA

Al comienzo de la clase la profesora nos comunicó que íbamos a realizar un examen escrito sobre una película que veríamos en esa hora. La película se llamaba Hero de Zhang Yimou, donde tendríamos que desarrollar nuestros conocimientos sobre los colores para responder correctamente a las preguntas que se nos proponían, que eran las siguientes como podemos observar:

CAPTURA DE PANTALLA DEL GRUPO
DE FACEBOOK DE CLASE.

La película trataba sobre una serie de escenas donde dependiendo de la relación del color, enfocaría la historia de una manera u otra.

http://www.primordiales.com.ar/estrenos/hero.htm

http://www.jamovie.it/ambiguita-ed-eroe-hero-zhang-yimou-2002/

Después de conocer los conceptos y distintas acepciones de los colores, ha sido fácil ponerlo en práctica, a la vez que he encontrado significados y simbolismos que no conocía de dichos colores.

La película la recomiendo bastante, fue muy entretenida, algo difícil de entender al principio pero enseguida se coge el hilo y tiene un significado y un final muy soprendentes.

DEJO A CONTINUACIÓN UN RESUMEN Y LOS DISTINTOS PREMIOS QUE RECIBIÓ ESTA PELÍCULA:

"Cuando China estaba dividida en siete reinos que se enfrentaron entre sí para conseguir la hegemonía, la miseria y la muerte asolaron el país. Al rey Qin, que vivía obsesionado con la idea de unificar China y convertirse en el primer Emperador, intentaron asesinarlo los otros monarcas. Entre los asesinos contratados, los más temibles eran Espada Rota, Nieve Volante y Cielo. Qin promete poder, riquezas y una audiencia privada a quien consiga vencer a los tres sicarios, pero es una tarea casi imposible. De modo que, cuando el enigmático "Sin Nombre" llega al palacio con las legendarias armas de los asesinos, el rey se muestra impaciente por oír su historia.

Premios

2002: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa

2002: Nominada al Globo de Oro: Mejor película de habla no inglesa

2002: Círculo de críticos de Nueva YorK: Mejor fotografía

2002: Festival de Toronto: Mejor película de habla no inglesa

2003: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes, Premio Alfred Bauer

2004: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor Fotografía

2004: British Independent Film Awards (BIFA): Nom. mejor película intern. independi."

 Sacado de - https://www.filmaffinity.com/es/film158116.html

VISITA A EXPOSICIÓN MUSEO DEL PRADO

Doce fotógrafos en el Museo del Prado

El Museo del Prado y la Fundación Amigos del Museo del Prado presentan el fruto del trabajo que doce fotógrafos contemporáneos han llevado a cabo en íntima relación con las colecciones de la institución.

Pertenecientes a tres generaciones distintas y con formas de entender y utilizar la fotografía muy diversas, José Manuel Ballester, Bleda y Rosa, Javier Campano, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Pierre Gonnord, Chema Madoz, Cristina de Middel, Isabel Muñoz, Aitor Ortiz, Pilar Pequeño y Javier Vallhonrat, se han inspirado en las obras que atesora el Museo, pero también en el aura que las envuelve, el edificio que las cobija y en aquellos que las contemplan.

https://www.museodelprado.es/

José Manuel Ballester

Las fotografías de José Manuel, mostraban una de las sala del Prado y una sala Real, destacando la del Prado que se mostraba vacía como símbolo de la renovación, algo que puede volver a ser llenado, eran unas fotografías muy limpias y llenas de luz que transmitían mucha tranquilidad.

Bleda y Rosa

Las imágenes que presentan son unas fotografías de puertas entreabiertas del museo, que dejan ver alguna de las obras.

Javier Campano

Las fotografías son dos bodegones inspirados en Meléndez, donde aparecen unas fotografías muy cálidas que recuerdan a algunas de las obras que podemos encontrar en el Prado.

Joan Fontcuberta

Realiza unas imágenes a partir de fotogramas de los archivos del Prado, con lo que consigue comprar el pasado del museo con la actualidad, donde sigue captada la esencia en la imagen que podemos observar.

Alberto García-Alix

Quiere reinventar los propios cuadros, por ello crea collages a partir de otros cuadros donde crea una composición muy interesante, donde consigue sacar el máximo partido al Prado.

Pierre Gonnord

Retrata en sus fotografías a una persona anónima que encuentra en el museo, con lo que quiere representar la parte personal y de representación de la obra del Prado, a parte representa a un cuervo donde representa la naturaleza muerta del Prado.

Chema Madoz

Realiza fotografías de cuadros y marcos que envuelven la obra, por lo que quiere representar lo que el museo representa para todas las obras que se contienen en él.

Cristina de Middel

Realiza superposiciones de imágenes de familias reales donde destaca los rasgos de la familia real, donde la imagen centra su foto en los ojos y el rostro ya que podemos ver que coinciden.

Isabel Muñoz

Es sin duda la obra que más me transmitió y una de mis dos favoritas de esta exposición, representa a dos bailarines bailando debajo del agua que parece que ascienden recordando a algunas de las obras del Prado o crucifixiones.

Aitor Ortiz

Realiza también una obra basada en las habitaciones del Prado, representando salas vacías, que recuerda a lo anteriormente mencionado.

Pilar Pequeño

Es de las artistas que más me gustó, los colores que utiliza y la sutileza al formar el bodegón sin cargarlo demasiado, que transmite mucha tranquilidad tanto por los brillos y el fondo que hace un alto contraste, es uno de mis favoritos.

Javier Vallhonrat

Es una composición que une un montón de fragmentos de diferentes obras del Prado que él utiliza y une formando así una única composición, dando un efecto muy bueno y quedando una obra muy poco usual y llamativa.

En conclusión puedo decir que esta exposición ha causado en mi una buena impresión, no esperaba que fuera a tener un significado tan amplio unas simples fotografías, pero cuando te pones a indagar sobre el porqué de las obras de cada uno de los participantes, es cuando te das cuenta del gran valor que tienen cada una de las imágenes y como en dos simples composiciones se pueden quedar plasmadas varias cosas entre ellas, la esencia del museo, lo que el museo significa para uno, los valores personales y las preferencias y gustos de cada una de las personas que participan. Ha sido una exposición muy agradable que recomiendo visitar y estar en ella un rato, recapacitar, pensar y disfrutar con los ojos de todas las maravillas que son capaces de crear.

Algunos de los participantes

DÍA 10(8 de Octubre): EXPOSICIONES PARTE 2

Hoy en clase hemos continuado con las exposiciones del otro día mientras escuchábamos y evaluábamos a nuestros compañeros. 

VISITA A LAS GALERÍAS DE LA CALLE DOCTOR FOURQUET

La semana pasada acudí a hacer la visita y estudio de algunas de las galerías de la calle Doctor Fourquet, en Madrid, cerca del Museo Reina Sofía, dejo la ubicación anclada a la entrada por si alguien esta interesado en ir.

De entre las distintas galerías que podíamos ver elegimos ver 5 de ellas aleatoriamente, a ver cómo nos sorprendían, acabamos viendo:

• Espacio Mínimo de Nono Bandera con "Desayuno en la hierba".
• Galería Silvestre de Gabriela Bettini con "Primavera silenciosa".
• F|2 Galería de Lluís Hortalá con "Encore un moment, monsieur le bourreau"...
• Marta Cervera de Max Brand con "Sunflower".

Espacio Mínimo 

NONO BANDERA (Málaga, 1958), es profesor titular de la Facultad de BBAA de Pontevedra. Después de una fructífera etapa artística infantil, y de realizar posteriormente estudios de BBAA en Madrid y México D.F., expone con asiduidad desde 1995 en galerías privadas e instituciones públicas. Su obra está representada, entre otras colecciones, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Zabludovich Art Trust Collection de Londres, Colección UNICAJA de Málaga, Consejería de Cultura de Murcia, Diputación Provincial de Málaga, Ayuntamiento de de Palma de Mallorca y la Diputación Provincial de A Coruña.
http://www.espaciominimo.es/


Desayuno en la hierba, es una de las exposiciones que he visto en ese día y que más me ha gustado, no por el hecho de la elaboración si no por el gusto que ha tenido el artista en jugar con el concepto de cosa y material, así por ejemplo elaborando lienzos con madera o troncos con corcho, algo que choca al verlo.

La exposición contaba con dos plantas repletas de jarrones, troncos, figuras geométricas, lienzos, soportes, y en una de las esquinas unos bocetos a boli de tinta de cada una de las obras que estaban expuesta y otras diferente.

Me gustaría destacar el contraste de los colores rojo y verde que hace sobre las obras que estaban expuestas, ya sea en los jarrones o en el cuadro del niño en la planta de abajo, como juega con los distintos rombos para dar un aire totalmente diferente a la obra de otro artista y conseguir hacerla suya. La obra que más me ha gustado es un lienzo donde aparece una mujer desnuda, una mujer que me recuerda a los años 80, en una pared donde encontramos baldas con diferentes jarrones que contrastan mucho con el estilo de la figura humana y también los elementos tradicionales con el arte moderno.

Para terminar una de las cosas más interesantes que me pareció fue el texto del libro que acompaña la exposición sobre una conversación entre diferentes artistas donde se habla de los distintos valores y factores del arte.

F|2 Galería

Lluís Hortalà, Olot, España, 1959. Vive y trabaja en Barcelona, España. A lo largo de su carrera ha expuesto tanto en galerías y museos o fundaciones europeas (Le Carré, Nîmes, Delfina Studio, Londres, BombasGens Centre D’Art, CDAN, Arts Santa Mónica, Fundaçâo Calouste Gulbenkian… ). Sus obras forman parte de importantes colecciones nacionales e internacionales: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid, España;Colección Fundació “la Caixa”, Barcelona, España; Colección Artium, Vitoria, España. Col·lección Per Amor l’Art. Valencia, España; Fundación Marcelino Botín. Santander, España; Trust Fundation. Washington DC, USA; Colección Fundació Banc de Sabadell. Barcelona, España.
http://www.f2galeria.com/

La siguiente exposición realizada por Lluís Hortalá no la conseguí entender muy bien, ya que contaba con pocos elementos y todos ellos eran elementos arquitectónicos que no me dieron mucha información sobre el artista y el porqué de su obra, no destacaría más sobre esta exposición.

Galería Silvestre

Sus intereses actuales se enmarcan en investigar las primeras colonizaciones culturales en relación con sus herencias en el presente. A partir de una revisión específica de la historia de la pintura y la representación del paisaje -con la que observa cómo este medio se ha empleado para fortalecer las ideas sobre las que se ha construido el pensamiento hegemónico occidental- analiza la combinación de la actual crisis medioambiental con un modelo extractivista que sitúa a las mujeres como paradigma de la violencia múltiple del cambio climático.

Ha trabajado sobre la postmemoria, en un grupo de obras que revisan las narrativas dominantes de la generación que vivió la dictadura argentina y que vinculan directamente el archivo con su propia biografía. Además, muchos de sus proyectos han girado alrededor del espacio doméstico, que en varias ocasiones ha analizado con la actitud de curiosidad, extrañeza o imposibilidad propias de quien ha heredado el proceso del exilio desde el lugar de la segunda generación.

En sus dibujos y vídeos, se ha acercado a experiencias de vida en los márgenes de la Historia que evidencian el vacío resultante del intento de conciliar los recuerdos, las políticas de memoria y las narraciones oficiales. Gabriela Bettini se ha aproximado a lugares intermediales para subrayar la manera en que determinadas vivencias y sus rastros quedan inscritos en ellos y se ha interesado por elementos que simbolizan el recorrido entre realidades, cuyo carácter intersticial ha interpretado como metáfora del estado de liminalidad, apertura y ambigüedad propias de quienes los transitan.

Gabriela Bettini obtuvo en 2017 el 1º Premio Obra Abierta, Premio Internacional de Artes Plásticas Caja de Extremadura y las Ayudas a la Creación de Artes Visuales de la Comunidad de Madrid. En 2016 disfrutó de la Beca de Pintura MAEC-AECID en la Real Academia de España en Roma (RAER).

Reside en Madrid y está representada por la Galería silvestre de Madrid.
http://www.galeriasilvestre.com

La exposición de Gabriela Bettini es la que más me gustó sin duda, a parte de por todos los colores empleados, los insectos que son algo que admiro y me inspira, junto con el significado de la obra, es algo que me hace que sea la que más me gustó de las galerías.

Para empezar esta artista trata temas como son el ecofeminismo y el colonialismo desviándose del canón establecido para hablar y tener voz en estos campos representado así una naturaleza única y a la mujer como paradigma de violencia, dando reconocimiento y visibilidad con su obra a todas aquellas mujeres que han defendido la causa medioambiental.

Me llamó la atención las veladuras de los lienzos, usando colores muy llamativos incluso fluorescentes para que captemos la mirada en el fondo del cuadro no solo para que nos quedemos viendo la naturaleza que hay representada en él.

Marta Cervera

Max Brand (Alemania, 1982) vive y trabaja en Glasgow. Estudió en el Städelschule Frankfurt/Main con Michael Krebber, y después ha residido en Berlín.

El artista usa diferentes medios para desarrollar sus trabajos, incluyendo pintura en spray o tiza para crear lienzos frenéticos y llenos de color, a los que añade collages o bordes de trozos de tela. A menudo la obra es acompañada de instalaciones escultóricas. Algunas de sus influencias son el Expresionismo Alemán y el Neo- Expresionismo. Su primera exposición individual en los EE.UU. fue en el MoMA PS1 en 2012, y desde ese momento ha participado en otras muestras en Kunstverein Oldenburg, GoMA Gallery of Modern Art Glasgow o Goethe Institut New York, entre otras.
https://www.martacerveragallery.com/

La siguiente exposición es la de Marta Cervera, una exposición que llama la atención nada más entrar por todos los colores que utiliza y el uso de materiales poco habituales, como son por ejemplo trozos de tela cortados y botellas, latas, plásticos...

Todos ellos deteriorados y dados una capa de color bastante llamativo donde siempre destaca por encima de los demás el rosa. Las composiciones están rellenas de símbolos, que me recuerdan a mi infancia, no sé porque, me transmiten la inocencia de la infancia y de una vida pasada, donde se ha quedado estancada, a la vez llena de pensamientos aturdidos que no saben por donde salir y por ello hace crear al artista composiciones tan variadas y llenas de diferentes interpretaciones.

DÍA 9(5 de Octubre): EXPOSICIÓN DEL TRABAJO DE INVESTIGACIÓN

Hoy en clase hemos comenzado a realizar las exposiciones de los trabajos de investigación sobre los colores que hemos hecho, a la vez que escuchábamos a los demás compañeros mientras exponían hemos ido realizando una evaluación individual y grupal de sus exposiciones.
Mi grupo y yo hemos expuesto el trabajo que a grandes rasgos el resumen de todo lo que hemos contado junto con la presentación que hemos expuesto es:

Mi parte:

• El azul cerúleo en el Pantone:

El Pantone es un sistema de identificación, comparación y comunicación del color para cualquier arte gráfica. El color azul cerúleo es el número 299, y según la combinación RGB, está compuesto por 0,163,224.

• El azul cerúleo en la poesía:

Destacamos a Rubén Darío, un poeta que es el máximo representante del Modernismo, movimiento literario que pretende renovar la estética de la época, dónde aparece la importancia del color azul, comenzando con la publicación de su libro Azul en 1888, donde para él el color azul es algo idea, etéreo, infinito, que ha sido inspirado en la corriente que sigue el eslogan "el arte es azul" y también relacionado con su lugar de nacimiento que es Nicaragua.

• El azul cerúleo en la literatura:

Destacamos a Gabriel García Márquez que fue un novelista que está relacionado con el Realismo Mágico, que es un movimiento artístico que se define por defender y preocuparse por introducir el uso y el interés de mostrar lo irreal y extraño como algo cotidiano y común. Ojos de perro azul es una novela donde el elemento azul es un elemento fantástico que le sirve para dar énfasis a la historia de amor que relata, destacando así las miradas, la soledad, los sueños, las pasiones, el deseo y el subconsciente. 

Mi trabajo práctico a continuación:

ENLACE DE LA PRESENTACIÓN https://prezi.com/view/tyyNxrmZdcASMrzJywxW/

El libro que la profesora nos ha recomendado hoy es:

https://www.casadellibro.com/libro-justicia-hacemos-lo-que-debemos/9788483069189/1820717