VISITA A LAS GALERÍAS DE LA CALLE DOCTOR FOURQUET

La semana pasada acudí a hacer la visita y estudio de algunas de las galerías de la calle Doctor Fourquet, en Madrid, cerca del Museo Reina Sofía, dejo la ubicación anclada a la entrada por si alguien esta interesado en ir.

De entre las distintas galerías que podíamos ver elegimos ver 5 de ellas aleatoriamente, a ver cómo nos sorprendían, acabamos viendo:

• Espacio Mínimo de Nono Bandera con "Desayuno en la hierba".
• Galería Silvestre de Gabriela Bettini con "Primavera silenciosa".
• F|2 Galería de Lluís Hortalá con "Encore un moment, monsieur le bourreau"...
• Marta Cervera de Max Brand con "Sunflower".

Espacio Mínimo 

NONO BANDERA (Málaga, 1958), es profesor titular de la Facultad de BBAA de Pontevedra. Después de una fructífera etapa artística infantil, y de realizar posteriormente estudios de BBAA en Madrid y México D.F., expone con asiduidad desde 1995 en galerías privadas e instituciones públicas. Su obra está representada, entre otras colecciones, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Zabludovich Art Trust Collection de Londres, Colección UNICAJA de Málaga, Consejería de Cultura de Murcia, Diputación Provincial de Málaga, Ayuntamiento de de Palma de Mallorca y la Diputación Provincial de A Coruña.
http://www.espaciominimo.es/


Desayuno en la hierba, es una de las exposiciones que he visto en ese día y que más me ha gustado, no por el hecho de la elaboración si no por el gusto que ha tenido el artista en jugar con el concepto de cosa y material, así por ejemplo elaborando lienzos con madera o troncos con corcho, algo que choca al verlo.

La exposición contaba con dos plantas repletas de jarrones, troncos, figuras geométricas, lienzos, soportes, y en una de las esquinas unos bocetos a boli de tinta de cada una de las obras que estaban expuesta y otras diferente.

Me gustaría destacar el contraste de los colores rojo y verde que hace sobre las obras que estaban expuestas, ya sea en los jarrones o en el cuadro del niño en la planta de abajo, como juega con los distintos rombos para dar un aire totalmente diferente a la obra de otro artista y conseguir hacerla suya. La obra que más me ha gustado es un lienzo donde aparece una mujer desnuda, una mujer que me recuerda a los años 80, en una pared donde encontramos baldas con diferentes jarrones que contrastan mucho con el estilo de la figura humana y también los elementos tradicionales con el arte moderno.

Para terminar una de las cosas más interesantes que me pareció fue el texto del libro que acompaña la exposición sobre una conversación entre diferentes artistas donde se habla de los distintos valores y factores del arte.

F|2 Galería

Lluís Hortalà, Olot, España, 1959. Vive y trabaja en Barcelona, España. A lo largo de su carrera ha expuesto tanto en galerías y museos o fundaciones europeas (Le Carré, Nîmes, Delfina Studio, Londres, BombasGens Centre D’Art, CDAN, Arts Santa Mónica, Fundaçâo Calouste Gulbenkian… ). Sus obras forman parte de importantes colecciones nacionales e internacionales: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid, España;Colección Fundació “la Caixa”, Barcelona, España; Colección Artium, Vitoria, España. Col·lección Per Amor l’Art. Valencia, España; Fundación Marcelino Botín. Santander, España; Trust Fundation. Washington DC, USA; Colección Fundació Banc de Sabadell. Barcelona, España.
http://www.f2galeria.com/

La siguiente exposición realizada por Lluís Hortalá no la conseguí entender muy bien, ya que contaba con pocos elementos y todos ellos eran elementos arquitectónicos que no me dieron mucha información sobre el artista y el porqué de su obra, no destacaría más sobre esta exposición.

Galería Silvestre

Sus intereses actuales se enmarcan en investigar las primeras colonizaciones culturales en relación con sus herencias en el presente. A partir de una revisión específica de la historia de la pintura y la representación del paisaje -con la que observa cómo este medio se ha empleado para fortalecer las ideas sobre las que se ha construido el pensamiento hegemónico occidental- analiza la combinación de la actual crisis medioambiental con un modelo extractivista que sitúa a las mujeres como paradigma de la violencia múltiple del cambio climático.

Ha trabajado sobre la postmemoria, en un grupo de obras que revisan las narrativas dominantes de la generación que vivió la dictadura argentina y que vinculan directamente el archivo con su propia biografía. Además, muchos de sus proyectos han girado alrededor del espacio doméstico, que en varias ocasiones ha analizado con la actitud de curiosidad, extrañeza o imposibilidad propias de quien ha heredado el proceso del exilio desde el lugar de la segunda generación.

En sus dibujos y vídeos, se ha acercado a experiencias de vida en los márgenes de la Historia que evidencian el vacío resultante del intento de conciliar los recuerdos, las políticas de memoria y las narraciones oficiales. Gabriela Bettini se ha aproximado a lugares intermediales para subrayar la manera en que determinadas vivencias y sus rastros quedan inscritos en ellos y se ha interesado por elementos que simbolizan el recorrido entre realidades, cuyo carácter intersticial ha interpretado como metáfora del estado de liminalidad, apertura y ambigüedad propias de quienes los transitan.

Gabriela Bettini obtuvo en 2017 el 1º Premio Obra Abierta, Premio Internacional de Artes Plásticas Caja de Extremadura y las Ayudas a la Creación de Artes Visuales de la Comunidad de Madrid. En 2016 disfrutó de la Beca de Pintura MAEC-AECID en la Real Academia de España en Roma (RAER).

Reside en Madrid y está representada por la Galería silvestre de Madrid.
http://www.galeriasilvestre.com

La exposición de Gabriela Bettini es la que más me gustó sin duda, a parte de por todos los colores empleados, los insectos que son algo que admiro y me inspira, junto con el significado de la obra, es algo que me hace que sea la que más me gustó de las galerías.

Para empezar esta artista trata temas como son el ecofeminismo y el colonialismo desviándose del canón establecido para hablar y tener voz en estos campos representado así una naturaleza única y a la mujer como paradigma de violencia, dando reconocimiento y visibilidad con su obra a todas aquellas mujeres que han defendido la causa medioambiental.

Me llamó la atención las veladuras de los lienzos, usando colores muy llamativos incluso fluorescentes para que captemos la mirada en el fondo del cuadro no solo para que nos quedemos viendo la naturaleza que hay representada en él.

Marta Cervera

Max Brand (Alemania, 1982) vive y trabaja en Glasgow. Estudió en el Städelschule Frankfurt/Main con Michael Krebber, y después ha residido en Berlín.

El artista usa diferentes medios para desarrollar sus trabajos, incluyendo pintura en spray o tiza para crear lienzos frenéticos y llenos de color, a los que añade collages o bordes de trozos de tela. A menudo la obra es acompañada de instalaciones escultóricas. Algunas de sus influencias son el Expresionismo Alemán y el Neo- Expresionismo. Su primera exposición individual en los EE.UU. fue en el MoMA PS1 en 2012, y desde ese momento ha participado en otras muestras en Kunstverein Oldenburg, GoMA Gallery of Modern Art Glasgow o Goethe Institut New York, entre otras.
https://www.martacerveragallery.com/

La siguiente exposición es la de Marta Cervera, una exposición que llama la atención nada más entrar por todos los colores que utiliza y el uso de materiales poco habituales, como son por ejemplo trozos de tela cortados y botellas, latas, plásticos...

Todos ellos deteriorados y dados una capa de color bastante llamativo donde siempre destaca por encima de los demás el rosa. Las composiciones están rellenas de símbolos, que me recuerdan a mi infancia, no sé porque, me transmiten la inocencia de la infancia y de una vida pasada, donde se ha quedado estancada, a la vez llena de pensamientos aturdidos que no saben por donde salir y por ello hace crear al artista composiciones tan variadas y llenas de diferentes interpretaciones.